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NOVECENTO LUNARE Lucio Fontana, Eliseo Mattiacci, Fausto Melotti, Giulio Turcato. Un progetto di Museo Novecento

Nell’anno in cui si celebra il cinquantenario di quello storico momento, la mostra NOVECENTO LUNARE. Lucio Fontana, Eliseo Mattiacci, Fausto Melotti, Giulio Turcato, ospitata nella Sala dei Gigli di Palazzo Vecchio, a Firenze vuole rendere un poetico omaggio alla Luna e alla sua conquista.

Il 20 luglio del 1969, alle 22.17 ora italiana, si compì, sotto gli occhi di milioni di telespettatori, un millenario sogno dell’uomo. Il modulo lunare Eagle della missione Nasa Apollo 11 sbarcò sulla polverosa superficie lunare e l’astronauta americano Neil Armstrong – primo uomo al mondo – vi posò poco dopo il piede. “Un piccolo passo per un uomo – disse – un grande salto per l’umanità”. E da allora più niente è stato come prima.

Nell’anno in cui si celebra il cinquantenario di quello storico momento, la mostra NOVECENTO LUNARE. Lucio Fontana, Eliseo Mattiacci, Fausto Melotti, Giulio Turcato, ospitata nella Sala dei Gigli di Palazzo Vecchio, a Firenze, fino al 15 gennaio 2020, vuole rendere un poetico omaggio alla Luna e alla sua conquista. Curata da Sergio Risaliti, la mostra è un progetto di Museo Novecento, visibile lungo il percorso espositivo del museo di Palazzo Vecchio e si inserisce nel programma di F-LIGHT 2019, il festival delle luci del Comune di Firenze che per une mese ridisegnerà il volto notturno della città.

In molte opere d’arte realizzate dopo la seconda guerra mondiale, il linguaggio astratto e quello informale sembrano evocare la superficie lunare e l’assenza di gravità, fare riferimento alle teorie scientifiche contemporanee e alle nuove osservazioni astronomiche. Nel Manifiesto Blanco del 1946, promosso da Lucio Fontana, si legge: “Le scoperte smisurate della scienza gravitano su questa nuova organizzazione di vita. Il ritrovamento di nuove forze fisiche, il dominio sulla materia e lo spazio impongono gradualmente all’uomo condizioni che non sono mai esistite in tutto il corso della storia”. All’arte, secondo il padre dello Spazialismo, spetta dunque la conquista illusoria dello spazio infinito. È per questo che, nelle sue opere, Fontana arriva a bucare e tagliare la tela.

In NOVECENTO LUNARE la conquista dello spazio e l’allunaggio vengono evocati con una selezione di opere di artisti italiani che, in modo diretto o meno, si ispirano alla Luna e alla sua orbita, alla sua superficie rugosa, con le costellazioni, i pianeti maggiori e i fenomeni celesti. Di Lucio Fontana è esposto un Concetto spaziale del 1961, con una sua tonalità “celestiale”, costituito da una serie di buchi che evocano quasi l’orbita ellittica di un pianeta; La cometa di Fausto Melotti, del 1978, porta nella Sala dei Gigli l’armonia, il ritmo e la poesia delle sfere celesti; di Eliseo Mattiacci, artista che nel suo percorso ha sempre manifestato un “afflato cosmico”, riuscendo a trasformare la materia, lo spazio e il tempo, è presentato Riflesso del cielo del 1989 e infine di Giulio Turcato Superficie lunare, del 1971, che si inserisce nella sua produzione, iniziata a metà degli anni Sessanta, di grandi composizioni su gommapiuma o schiuma di poliuretano che rievocano superfici, crateri, tonalità dei corpi celesti.

NOVECENTO LUNARE

Lucio Fontana, Eliseo Mattiacci, Fausto Melotti, Giulio Turcato

a cura di Sergio Risaliti

Firenze

Museo di Palazzo Vecchio, Sala dei Gigli

29 novembre 2019 – 15 gennaio 2020

Orari

Tutti i giorni h.9.00-19.00, eccetto il giovedì h. 9.00-14.00.

La biglietteria chiude un’ora prima del museo.

 GTatge 8 58 V.Maestri d. Lavoro TS 12

 

GEORGE TATGE con IL COLORE DEL CASO al Museo del Novecento e del Contemporaneo di Pistoia

La rassegna è accompagnata da un video, che dà conto degli scatti di George Tatge dedicati a Pistoia, e da un ricco catalogo, nel quale le 74 opere fotografiche esposte sono affiancate da un testo critico del curatore Carlo Sisi.

Palazzo Fabroni, Museo del Novecento e del Contemporaneo di Pistoia, la mostra GEORGE TATGE | IL COLORE DEL CASO – curata da Carlo Sisi e realizzata dal Comune di Pistoia/Palazzo Fabroni con il contributo della Regione Toscana nell'ambito del progetto “Toscanaincontemporanea2019” - sarà inaugurata venerdì 29 novembre, alle ore 18.00, e resterà aperta al pubblico fino al 16 febbraio 2020.

La rassegna nasce da una svolta nel modus operandi dell'artista. Noto da sempre per il suo lavoro in bianco e nero, da sette anni egli si dedica esclusivamente a riprese a colori. Non ha abbandonato il suo leggendario Deardorff, un banco ottico 13x18cm, che lo accompagna da quando è arrivato in Italia, 46 anni fa. Ma la scelta del colore ha richiesto un modo radicalmente diverso di guardarsi intorno. La mostra ci presenta così luoghi di misteriosa metafisicità, città sovraffollate, ma prive di persone, sospese nel tempo, quasi a sottolineare la solitudine esistenziale. Strade ed angoli dove vige quel conflitto continuo tra il man-made e la natura, una convivenza difficile e spesso comica. Oggetti ricorrenti nel lavoro di Tatge sono i muri, le barriere, i recinti, le staccionate. Visioni che ci toccano oggi con significati ancora più profondi ed attuali. E pure la fotografia di Tatge rimane lontanissima dall’essere documento. E’ pura metafora, un’espressione poetica che va oltre il visibile. Tatge si muove raramente con progetti precisi in mente. Preferisce vagare per lasciare che sia il mondo a sorprenderlo, che sia la sua psiche a reagire e a rispondere alle sollecitudini dei luoghi. Al Caso, appunto. Come Gerhard Richter, “non persegue obiettivi, né sistemi, né tendenze; non ha programmi, né uno stile, né una direzione; gli piace l'indefinito, lo sconfinato, l'incertezza continua”. 

Sono dunque frutto del nuovo lavoro di George Tatge le 74 immagini, suddivise in sei diverse sezioni, di cui si compone la mostra, completamente pensata per le sale del secondo piano di Palazzo Fabroni, in una relazione stretta ed organica con il contesto architettonico dell'edificio, a tal punto che l'alternanza degli spazi, irregolari di forma e differenti per dimensioni, governa la disposizione delle opere. La rassegna è accompagnata da un video, che dà conto degli scatti di George Tatge dedicati a Pistoia, e da un ricco catalogo, nel quale le 74 opere fotografiche esposte sono affiancate da un testo critico del curatore Carlo Sisi.

Con la mostra Palazzo FabroniMuseo del Novecento e del Contemporaneo di Pistoia, riapre al pubblico al termine di alcuni importanti lavori di ristrutturazione che hanno determinato il recupero di un'ampia porzione del pianoterra, con l'allestimento di nuovi spazi riservati all'accoglienza del pubblico e di nuove sale destinate a funzione museale.

George Tatge nasce a Istanbul nel 1951 da madre italiana e padre americano e inizia a fotografare negli Stati Uniti d'America nel 1966. Laureatosi in letteratura inglese nel Wisconsin, giunge in Italia nel 1973 e già nello stesso anno tiene una personale alla Galleria Il Diaframma di Milano. Da questo momento prende parte alle più importanti mostre che segnano l'avvento di una tradizione della fotografia di paesaggio italiano, caratterizzata dalla particolare attenzione dedicata ai mutamenti avvenuti sul territorio nazionale tra anni Settanta e Ottanta. Nel 1986 inizia la sua attività di dirigente tecnico-fotografico presso gli Archivi Alinari, attività che proseguirà fino al 2003. Sue opere fanno parte di collezioni tra cui quella del Metropolitan Museum di New York, del Houston Museum of Fine Arts, della George Eastman House di Rochester e della Maison Européenne de la Photographie a Parigi.

http://www.georgetatge.com/

Sede

Palazzo Fabroni, via Sant’Andrea 18 - Pistoia

Periodo

30 novembre 2019 | 16 febbraio 2020

Inaugurazione

venerdì 29 novembre 2019 - ore 18.00

con apertura straordinaria fino alle ore 23.30

 

 

 Cubo multispaziale C2 2005. Legnoneon porporaspecchi. 39x39x39 cm 14 cm base. Foto Bruno Bani

Cubo multispaziale C2 2005. Legnoneon porporaspecchi. 39x39x39 cm 14 cm base. Foto Br

  

"Sconfinamento”  personale di Paola Scirpa a cura di Sabino Maria Frassà

L'esposizione chiude il ciclo di mostre IN-MATERIAL, quando la materia si fa pensiero', promosso dal brand tedesco insieme al progetto non profit Cramum per tutto il 2019.  

Sconfinamento è la personale dell'artista Paolo Scirpa a cura di Sabino Maria Frassà, che inaugura il 20 novembre 2019 presso lo spazio Gaggenau DesignElementi Hub di corso Magenta 2, a Milano. L'esposizione - visitabile fino al 31 gennaio 2020 - chiude il ciclo di mostre IN-MATERIAL, quando la materia si fa pensiero', promosso dal brand tedesco insieme al progetto non profit Cramum per tutto il 2019.

Attraverso le sue opere, Paolo Scirpa indaga l'infinito quale dimensione a cui l'uomo tende, sempre scevro dalla piena comprensione e dalla possibilità di possesso, senza però la pretesa o la presunzione di rappresentarlo. Eternità e infinito sembrano essere solo il movente per Scirpa, piuttosto l'inizio del viaggio. "Quanto tempo è per sempre?” chiedeva Alice al Bianconiglio. Guidandoci nel suo Mondo anche Paolo Scirpa, come il Bianconiglio, sembra risponderci: "A volte, solo un secondo". Per l'artista, sconfinare è un percorso di libertà mentale e fisica: senza non c'è progresso né evoluzione. I suoi Ludoscopi sono opere tridimensionali che propongono la percezione di profondità fittizie, veri iperspazi-luce in cui è abolito il limite tra il reale e l'illusorio, che mirano a liberare e elevare l'essere umano, ad approcciare e percepire l'infinito anche solo per un secondo.

Quella che si sprigiona è una vertigine di gioia, una possibilità di riassaporare quello stupore e quella meraviglia propria dei bambini, ancora incoscienti e non pienamente consapevoli di sé e dei propri limiti. Complice la struttura stessa dello spazio, pensato per ricreare un'atmosfera di 'lusso domestico' elegante, accogliente e inclusiva. Con un percorso, ideato da artista e curatore, che riesce a 'donare' un forte senso di sconfinamento e estraniamento positivo allo spettatore.

 

 Ingo Maurer intim. Design or what Invito

  

INCONTRO E ABBRACCIO nella Scultura del Novecento da Rodin a Mitoraj

Una potente rassegna di ben 120 sculture del Novecento, le molteplici singolarità della condizione umana.  

Mostra d’arte a sviluppo tematico – tra le poche in Italia – Incontro e Abbraccio esplora, attraverso una potente rassegna di ben 120 sculture del Novecento, le molteplici singolarità della condizione umana. 120 opere, spesso capolavori, di Auguste Rodin, Vincenzo Gemito, Arturo Martini, Pietro Canonica, Jacques Lipchitz, Agenore Fabbri, Virgilio Guidi, Luciano Minguzzi, Fernad Legèr, Henry Moore, Marcel Duchamp, George Segal, Salvator Dalì, Lorenzo Quinn, Igor Mitoraj fino alle tendenze iconiche di fine secolo.
Tutti riunite per sottolineare le tante “attese” da cui siamo circondati. Attese di persone che chiedono il sostegno di una parola, il riconoscimento di uno sguardo, la condivisione di un gesto.
L’obiettivo di un percorso espositivo così concepito è quello di offrire una visione dell’Uomo, aperto e positivo, in contrapposizione a chiusure, indifferenza o disimpegno.

In ragione di questo obiettivo, la scelta delle opere e la loro collocazione in mostra non risponde ad una cronologia di realizzazione, a ragioni di assonanza stilistica o ad altri criteri che afferiscono alla storia e critica d’arte. La scelta è condotta su tutt’altro registro, persino più affascinate e certo coinvolgente: a fare da filo conduttore sono precisi temi in dialogo tra loro: il cammino della vita, la formazione, l’incontro, la relazione, la lontananza, l’attesa e la compassione.

“Tra le espressioni artistiche, – scrive Maria Beatrice Autizi – , la scultura è quella che riesce a rappresentare meglio le problematiche dell’uomo, per la tridimensionalità e per la relazione dei corpi e delle forme nello spazio: quello spazio intimo della materia che racconta il corpo trasformandolo in forma e luogo di accadimenti nelle più diverse modulazioni, ora armoniche in una compostezza classica, ora enfatizzando il movimento con cui la materia racconta se stessa, ora sollecitando le superfici con tonalità impressioniste, o ripiegando su narrazioni liriche, o simboliste, o metafisiche”.

L’opera d’arte scultorea si fa qui sollecitazione, introspezione, ricerca delle forme e dei gesti. L’arte plastica esalta la complessità dei volumi e richiama l’attenzione sul dettaglio, aspetto valorizzato dalla possibilità data ai visitatori di rigirare e toccare alcune delle opere in mostra.
Soprattutto la figura umana a più dimensioni suscita osservazioni diverse, invita a riflettere sulla vita, le sue grandezze e le sue fragilità, più di quanto potrebbero le immagini bidimensionali di uso comune. “Ci stiamo diseducando alla tridimensionalità, al tatto, alla durata che genera rappresentazione, avvertendoci così del rischio di diventare osservatori frettolosi, meno capaci di cogliere le disposizioni dell’animo e dell’affettività”, sottolinea Alfonso Pluchinotta.
“Nell’epoca digitale, l’Umanesimo appare sempre più lontano, scavalcato (ma non domato) dalla velocità e dalle nuove possibilità di comunicazione, che limitano l’esercizio dell’attenzione e della riflessione, il farsi della sedimentazione e della memoria, la dimensione reale e rispondente dei contatti”.

Una mostra dalla forte attualità sociale, quindi. E, non a caso, a promuoverla è la Fondazione Salus Pueri, onlus creata nel 1992, a Padova, per far sì che la Pediatria del locale Policlinico sia sempre più “casa”, naturalmente temporanea ma familiare, per i più piccoli.
Al progetto hanno aderito l’Università agli Studi di Padova, la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, la Solgar farmaceutici, Inartis, Poligrafo, Assicurazioni Generali, con il patrocinio della Commissione Europea e di Regione, Provincia e Comune.
Per il valore sociale oltre che culturale della grande rassegna, l’ingresso sarà gratuito, salvo una donazione libera a sostegno delle attività della Fondazione Salus Pueri.

“Incontro e abbraccio” non è solo questa grande mostra. Il progetto le affianca infatti una serie di incontri con Vittorino Andreoli, psichiatra, già Direttore del Dip. di Psichiatria dell’Università di Verona; Barbara Volpi, docente al Dipartimento di Psicologia Dinamica e Clinica de La Sapienza, Roma; Salvatore Piromalli, filosofo, operatore sociale, Responsabile Associazione Le Città Invisibili; Patrizia Manganaro, docente di Storia della Filosofia Contemporanea alla Lateranense di Roma. Chimati ad approfondire i temi della grande mostra.

INCONTRO E ABBRACCIO nella Scultura del Novecento da Rodin a Mitoraj.

Padova, Palazzo del Monte di Pietà, Via Monte di Pietà, 8 (Piazza Duomo);

16 novembre 2019 – 9 febbraio 2020; da martedi a venerdì dalle ore 10 alle 13; ore 9:30 18:30 – chiuso il lunedì.

INGRESSO GRATUITO (donazione libera alla Fondazione Salus Pueri).

Info: www.incontroabbraccio.it

 

 Maimouna Guerresi Aisha 2015 Lambda Print 200x125 cm

Maimouna Guerresi Aisha 2015 Lambda Print 200x125 cm

 

 

MAÏMOUNA GUERRESI. RÛH/SOUL alle Officine dell'immagine

Con la mostra “Rûh / Soul” la galleria Officine dell’Immagine di Milano ospita, dal 14 novembre 2019 al 18 gennaio 2020, la più ampia personale mai realizzata in Italia di Maïmouna Guerresi, artista italo-senegalese, a cura di Silvia Cirelli. 

Con la mostra “Rûh / Soul” la galleria Officine dell’Immagine di Milano ospita, dal 14 novembre al 18 gennaio 2020, la più ampia personale mai realizzata in Italia di Maïmouna Guerresi, artista italo-senegalese, a cura di Silvia Cirelli.

 

La mostra ripercorre, con fotografie di grande e grandissimo formato (alcune opere superano i 3 metri di altezza), un video e alcune installazioni, i tratti distintivi della sua vasta carriera artistica, ponendo l’accento su un registro lessicale che combina rimandi mistici e influenze taumaturgiche. La scelta stessa del titolo – l’arabo rûh significa “spirito interiore” – identifica uno stile narrativo che si caratterizza per la spiccata sensibilità contemplativa, da sempre filo conduttore della poetica di Maïmouna Guerresi.

L’artista esplora attraverso la molteplicità dei linguaggi stilistici – dal video all’installazione, dalla fotografia alla scultura – un percorso che trova nell’esaltazione della spiritualità, il motore di ricerca primario.

Nel suo lavoro, il corpo diventa allegoria della dimensione interiore: il corpo come luogo d’incontro di fedi diverse, come manifestazione della forza umana, come dimora sacra in continuo divenire.

Gestualità, cromatismo, scelta degli abiti e degli scenari, costruiscono un istante immortalato nella sua complessa elaborazione che regala ai personaggi una monumentalità quasi eterea, sospesa fra realtà e trascendenza.

Frequenti sono i richiami alla credenza sufi, una specifica pratica mussulmana dal carattere mistico e ascetico che colloca l’uomo al centro dell’universo, in rapporto diretto con il divino.

Questa ricerca d’intimo dialogo con il divino rivendica l’importanza degli elementi naturali come la simbologia dell’albero o del ramo – ben rappresentata in mostra da opere come Flow (Beyond the Border) o Queen Hathun – che diventano ponte metafisico fra il cielo e la terra; ma sorprende anche per l’impiego di altalene, trampolini o sacchi gonfi d’aria, metafore di un processo di sospensione, di sollevamento dal suolo, come nei poetici lavori Red Balance o Swing, anch’essi esposti nello spazio milanese.

Nella sperimentazione di un’umanità universale, dove l’armonia fra culture e fedi diverse prende il posto della paura e della sorda negazione, l’artista conquista un’audacia espressiva carica di seducenti simbolismi e contemplazioni estetiche.

Molto nota a livello internazionale, Maïmouna Guerresi (nata a Vicenza nel 1951, vive e lavora fra l’Italia e il Senegal) è tra i protagonisti dell’attuale Lagos Photo Festival, oltre ad essere inclusa nella collettiva “Modest Fashion” allo Stedelijk Museum Schiedam.

Chiamata a esporre in prestigiosi musei come il LACMA Museum di Los Angeles, l’Institute du Monde Arabe IMA e il Cultural Institute of Islam ICI di Parigi, il KIASMA Museum of Contemporary Art di Helsinki, il National Museum of Sharjah, il National Museum of Bamako o il MACAAL Museum di Marrakech, i suoi lavori fanno parte di grandi collezioni pubbliche come quelle del Smithsonian African Art Museum di Washington, il LACMA Museum di Los Angeles o il M.I.A Minneapolis Institute of Art.

Completa la mostra un catalogo edito da vanillaedizioni con testo critico di Silvia Cirelli e un’intervista all’artista di Manuela De Leonardis.